Full-text resources of CEJSH and other databases are now available in the new Library of Science.
Visit https://bibliotekanauki.pl

Results found: 7

first rewind previous Page / 1 next fast forward last

Search results

help Sort By:

help Limit search:
first rewind previous Page / 1 next fast forward last
1

Bardzo długi marsz: Niepokonani Petera Weira wobec prozy Sławomira Rawicza

100%
Kempna-Pieniążek M.
Postscriptum Polonistyczne
|
2016
|
issue 1(17)
105-114
EN
The Polish reaction to Peter Weir’s film The Way Back (2010) was centred on a discussion about the credibility of its literary prototype, Sławomir Rawicz’s book The long walk (1955). The author of the article does not discuss this con troversy; she prefers to concentrate on the adaptation that was chosen by the director, who combines different interpretations of the phenomenon of freedom in his movie. Weir’s approach can be regarded as transnational and such a perspective is suggested as a context for the interpretation of The Way Back. .
2
Publication available in full text mode
Content available

O dwóch adaptacjach "Mazepy" Juliusza Słowackiego

100%
Kempna-Pieniążek M.
Śląskie Studia Polonistyczne
|
2012
|
issue 1-2(2)
105-116
EN
On the example of Blanche by Walerian Borowczyk (1971) and Mazepa by Gustaw Holoubek (1975), the author of the article presents two different proposals of reading a drama by Juliusz Słowacki. As Holoubek’s work seems to be an attempt to look at person relationships presented in Mazepa from the angle of the categories close to psychoanalysis, Borowczyk’s film is dominated by a quasi-religious discourse. What plays an important role in the article is considerations on a different status of drama characters (especially that of Amelia and Blanche) in his adaptations and movie means by means of which the directors created their visions. Substantially different ways of reading Słowacki’s work point to two different adaptation strategies: where Borowczyk chooses a creative interpretation, Holoubek seems to look for hidden senses of drama.
FR
A l’exemple des films Blanche de Walerian Borowczyk (1971) et Mazepa de Gustaw Holoubek (1975) l’auteur de l’article présente deux propositions différentes d’interprétation du drame de Juliusz Słowacki. Si l’oeuvre de Holoubek semble être une tentative de regard sur les relations personnelles dans Mazepa à travers des catégories proches à la psychanalyse, dans le film de Borowczyk domine le discours quasi-religieux. Dans l’article jouent un rôle important les réflexions sur le statut différent des personnages du drame (surtout celui d’Amelia/ Blanche) dans les adaptations ainsi que les moyens cinématographiques grâce auxquels les metteurs en scène créaient leurs vision. Les lectures différentes de l’oeuvre de Słowacki accusent deux stratégies d’adaptation : Borowczyk prend le chemin d’une réinterprétation créative, pendant que Holoubek semble chercher des sens cachés du drame.
3

Skandynawia pod lupą

100%
Kempna-Pieniążek M.
Kwartalnik Filmowy
|
2017
|
issue 97-98 Wędrujące motywy
326-331
PL
Książka „Od Ibsena do Aho” (red. T. Szczepański, L. Sokół; 2015) stanowi jedno z najbardziej ambitnych, a zarazem najtrudniejszych przedsięwzięć zrealizowanych w ramach międzywydawniczej serii „Literatura na ekranie”. Autorzy tomu prezentują szerokie spektrum interpretacji zarówno utworów literackich, jak i ich filmowych wersji. Przez pryzmat poszczególnych ekranizacji oglądają rozmaite problemy skandynawskich kultur, ze szczególnym uwzględnieniem kwestii takich jak: rodzina patriarchalna, tożsamość narodowa, relacje człowieka z Absolutem, natura i uchwycony na jej tle dramat ludzkiej egzystencji. Uwagę zwracają artykuły w wyrazisty sposób odbiegające od wzorca, który można nazwać standardem pisania o adaptacji filmowej. Jedną z zalet tomu jest jego interdyscyplinarność, jednak stosowana przez wielu autorów metoda porównawcza, polegająca na wypunktowywaniu różnic między oryginałem literackim a filmem, nie zawsze przynosi spodziewanie owoce.
EN
The book “Od Ibsena do Aho” [“From Ibsen to Aho”] (ed. T. Szczepański, L. Sokół; 2015) is one of the most ambitious, but also the most difficult undertakings realized within the framework of the interdisciplinary series “Literatura na ekranie” [“Literature on the Screen”]. The authors of the volume present a wide spectrum of interpretations of both literary works and their film versions. Through the prism of individual screen adaptations, they see the various problems of Scandinavian cultures, with particular emphasis on issues such as the patriarchal family, national identity, human relations with the Absolute, nature and the drama of human existence. Articles, which in their vivid style, deviate from the usually standard of writing on film adaptation are worthy of interest. One of the advantages of the volume is its interdisciplinarity, but the comparative method used by many authors, based on listing the differences between the literary original and the screen adaptation, does not always bring the expected results.
4

Aeronautes. Herzogowskie ujęcie z lotu ptaka

100%
Kempna-Pieniążek M.
Kwartalnik Filmowy
|
2022
|
issue 118 Jedno ujęcie
76-92
PL
Autorka artykułu podejmuje temat charakterystycznych Herzogowskich ujęć z lotu ptaka. Postrzegając kino dokumentalne Wernera Herzoga jako projekt epistemologiczny, badaczka zwraca uwagę na rolę, jaką podniebna perspektywa pełni w poszukiwaniu nowych, „niezużytych” obrazów, czyli w procesie, który w opinii reżysera stanowi kluczowe zadanie ludzkości. Podążając za badaczami takimi jak Teresa Castro, Eric Ames, Brad Prager oraz Laurie Ruth Johnson, autorka dowodzi, że ujęcia tego typu mają w kinie Herzoga przede wszystkim funkcję poznawczą, służąc konstruowaniu „obcych geografii”, w których realnie istniejący pejzaż zostaje przekształcony w „krajobraz duszy”. Centralne miejsce w argumentacji zajmuje Biały diament (The White Diamond, 2004), będący metafilmem, w którym Herzog komentuje swoje praktyki wizualne, a także ujawnia zarówno powody oraz proces powstawania, jak i zysk płynący z przyjmowania perspektywy aeronauty.
EN
The author of the essay takes up the subject of characteristic Herzogian aerial shots. Understanding Werner Herzog’s documentaries as an epistemological project, she draws attention to the role of sky-high perspective in his search for new, “unused” images – that is, in the process which, in Herzog’s opinion, is mankind’s key task. Following researchers such as Teresa Castro, Eric Ames, Brad Prager, and Laurie Ruth Johnson, the author proves that Herzog’s aerial shots have a cognitive function and are used as a means of constructing “alien geographies”, in which real landscapes are transformed into “landscapes of the soul”. The White Diamond (2004) is placed at the centre of this discussion, being a metafilm in which Herzog comments on his own visual practices, and reveals both his motivations and the realization process, as well as the benefits of adopting the aeronautes’ perspective.
5

Ideologie (i) przyjemności

100%
Kempna-Pieniążek M.
Kwartalnik Filmowy
|
2018
|
issue 104 Esej, found footage, film montażowy
247-252
PL
Najnowszy tom wrocławskiej serii „Niemcy – Media – Kultura” wpisuje się w formowany od niedawna nowy, wielowymiarowy obraz dziejów kina niemieckiego, nie stanowi jednak typowego wykładu historycznofilmowego. Autorka recenzji zwraca uwagę na liczne zalety książki Andrzeja Gwoździa „Zaklinanie rzeczywistości. Filmy niemieckie i ich historie 1933-1949” (2018), przede wszystkim na to, że łączy ona w sobie walory interesującej lektury ze skrupulatnym rekonstruowaniem pejzażu audiowizualnego Niemiec lat 1933-1949. Najważniejszy kontekst tego pejzażu stanowią rozmaite ideologie, dlatego też jednym z dominujących wątków monografii jest motyw kina jako narzędzia walki, podporządkowanego różnym instytucjom. Drugim spoiwem filmów analizowanych w książce jest natomiast zasada przyjemnościowa, realizowana zarówno przez kino Trzeciej Rzeszy, jak i przez kinematografie powojennych stref okupacyjnych. Na uwagę zasługuje również trzecia część tomu, oferująca zbiór precyzyjnie zredagowanych pism z omawianej epoki.
EN
The latest volume of the Wrocław series “Germany – Media – Culture” fits in with the new, multifaceted picture of the history of German cinema that has been formed recently, but it is not a typical presentation of film history. The author of the review draws attention to the numerous merits of the book by Andrzej Gwóźdź “Zaklinanie rzeczywistości. Filmy niemieckie i ich historie 1933-1949” [“Enchantment of Reality. German Films and their Histories 1933-1949”] (2018). Above all, it combines the qualities of an interesting reading with the meticulous reconstruction of the audiovisual landscape of Germany of the years 1933-1949. The most important context of this landscape are various ideologies, which is why one of the dominant themes of the monograph is the theme of cinema as a weapon of war, subordinated to various institutions. The second common theme in the films analysed in the book is the pleasure principle, implemented both by the cinema of the Third Reich and by cinematographies of the post-war occupation zones. The third part of the volume, offering a collection of precisely edited writings from the discussed era, is also noteworthy.
6
Publication available in full text mode
Content available

Twórczość Chrisa Eyre’a w kontekście problemów filmowych adaptacji

100%
Kempna-Pieniążek M.
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
|
2013
|
issue 5
94-105
EN
Chris Eyre is a native American independent filmmaker. Some of his films are based on the books by Sherman Alexie and Tony Hillerman. At the same time, Eyre adapts American mainstream film genres (road movies, sport movies) in order to revise cinematic representations of the native Americans. The author of this article analyses such films as Smoke Signals, The Edge of America, Skinwalkers and We Shall Remain, trying to define the role and meaning of different adaptation strategies in Eyre’s works. In Smoke Signals and The Edge of America the director pictures and discusses the most important issues of modern Indian identity. In this context his films seem to prove that the dominant cinematic representations of native Americans are changing.
7
Publication available in full text mode
Content available

Terytorium rezu. Symbolika oraz kulturowe konteksty krajobrazu indiańskiego rezerwatu we współczesnym północnoamerykańskim kinie i komiksie

100%
Kempna-Pieniążek M.
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
|
2017
|
issue 9(4)
30-38
PL
Ubogie domostwa, rozsiane po pustkowiu przyczepy zamieszkane przez zdegenerowanych ludzi, pokryte kurzem drogi, po których poruszają się zdezelowane samochody – pejzaż indiańskiego rezerwatu we współczesnej kulturze audiowizualnej naznaczony jest świadectwami upadku. Równocześnie jednak przestrzeń, w której tak wyraziście manifestują się liczne problemy społeczne, na czele z alkoholizmem oraz bezrobociem, stanowi część dyskursów dotyczących marginalizacji, nietolerancji, alienacji i społecznej stygmatyzacji. Filmowy i komiksowy pejzaż „rezu” stanowi krzywe zwierciadło oficjalnej amerykańskiej kultury, symbolizowanej przez Mount Rushmore, w której cieniu kryje się rezerwat plemienia Lakota w Pine Ridge. Analizując wybrane przykłady filmowe oraz komiksowe, autorka ukazuje różne aspekty symboliki i kulturowych kontekstów „rezu”. Z jednej strony – w filmach takich jak Skins Chrisa Eyre’a lub Za głosem serca Michaela Apteda oraz w komiksowej serii Skalp Jasona Aarona i R.M. Guéry – mamy do czynienia z wizją rezerwatu stanowiącego krajobraz nieomalże apokaliptyczny, utożsamiający ciemną stronę Ameryki; z drugiej – w realizacjach pokroju Sygnałów dymnych Eyre’a czy Piętna przodków Michaela Linna – rezerwat jawi się jako przestrzeń mityczna, obszar kontaktu ze wcześniejszymi pokoleniami.
EN
Poor houses, trailers scattered in wilderness, inhabited by degenerated people, dusty roads full of old cars – the landscape of Indian reservation in contemporary audiovisual culture is marked with symptoms of degradation. In the same time, places where social problems – especially alcoholism and unemployment – have been so vividly manifested, become a part of various discourses of marginalization, intolerance, alienation and social stigmatization. “Rez’s” landscape in film and comic books becomes a dark mirror for the official American culture symbolized by Mount Rushmore, in whose shadow lies the Lakota Pine Ridge reservation. In her analysis of selected films and comic books, theauthor shows different aspects of rez’s symbols and cultural contexts. In such films as Chris Eyre’s Skins or Michael Apted’s Thunderheart and Jason Aaron and R.M. Guéra’s comic book series Scalped, Indian reservation is shown almost as an apocalyptic territory and – in the same time – as a dark side of America. On the other hand, in Eyre’s Smoke Signals or Michael Linn’s Imprint, rez is a mythic place of cross-generation encounters.
first rewind previous Page / 1 next fast forward last
JavaScript is turned off in your web browser. Turn it on to take full advantage of this site, then refresh the page.