Full-text resources of CEJSH and other databases are now available in the new Library of Science.
Visit https://bibliotekanauki.pl

Refine search results

Journals help

  1. 14 Kwartalnik Filmowy

  2. 11 Panoptikum

  3. 2 Ameryka Łacińska. Kwartalnik analityczno-informacyjny

  4. 2 Annales Universitatis Mariae Curie-Skłodowska, sectio F – Historia

  5. 2 Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura

More...
Authors help

  1. 2 Jakubowska-Vorbrich Z.

  2. 2 Kurczuk K.

  3. 2 Pławuszewski P.

  4. 1 Bieńkowska I.

  5. 1 Biliński P.

More...
Years help

  1. 5 2023

  2. 3 2022

  3. 6 2021

  4. 6 2020

  5. 6 2019

More...

Results found: 48

first rewind previous Page / 3 next fast forward last

Search results

Search:
in the keywords:  film dokumentalny
help Sort By:

help Limit search:
first rewind previous Page / 3 next fast forward last
1

Perspektywa produkcyjna w badaniach polskiego filmu dokumentalnego

100%
Morozow I.
Kwartalnik Filmowy
|
2019
|
issue 108 Produkcja i dystrybucja filmowa
190-202
PL
W literaturze przedmiotu brakuje pogłębionego omówienia specyfiki pracy na planie filmu dokumentalnego, analizy etapów łańcucha produkcyjnego rozpatrywanego zarówno w kontekście społecznym (pracujący/tworzący ludzie, relacje na planie), jak i rynkowym (finansowanie, strategie dystrybucyjne i promocyjne). Autorka, odnosząc się także i do własnych doświadczeń twórczych, próbuje nakreślić właściwe problematyce pole badawcze na podstawie dokumentów branżowych, wybranych baz filmowych oraz tzw. dzienników emocjonalnych, a także wywiadów etnograficznych z twórcami i producentami filmów dokumentalnych. Artykuł wpisuje się w ten sposób w nurt współczesnych badań nad kulturą produkcji filmowej, nawiązuje do problematyki procesu tworzenia i jego kontekstu, zrekonstruowanego za pomocą etnograficznego detalu, którego źródłem są mikrohistorie.
EN
The literature on the subject lacks an in-depth discussion of the specifics of working on the set of a documentary film, analysis of the stages of the production chain considered both in the social (working/creating people, relationships on the set) and market contexts (financing, distribution and promotional strategies). The author, also referring to her own creative experience, tries to outline the research field appropriate on the basis of industry documents, selected film databases and so-called emotional diaries, as well as ethnographic interviews with documentary film-makers and producers. In this way, the article fits into current research on the culture of film production, refers to the problems of the creative process and its context, reconstructed with the help of an ethnographic detail, the source of which are micro-histories.
2
Content available remote

Śmierć i obraz

100%
Cantor J., Szczubiałka M.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
206-227
PL
W The World Viewed Stanley Cavell podciąga film pod ogólną kategorię pamięci, ponieważ filmy, podobnie jak wspomnienia, obdarzają człowieka światem, który należy do niego, niemniej jest światem, do którego człowiek nie ma wstępu. W pewnych niezwykłych sytuacjach wspomnienia oczywiście mogą się odradzać jako żywa część bieżącej opowieści człowieka i tak odrodzone wchodzą w niego pełne niepokoju i naglące do zmiany życia, do rozwijania jego opowieści w świetle stawianych przez nie pytań aż do nowego chwilowego końca. Ale tylko niektóre filmy są takimi natchnionymi wspomnieniami, a pozostałe należą do rozległej dziedziny jałowej pamięci zwanej nostalgią. Nostalgią, ponieważ pamiętany czas człowiek uważa za przeżyty, a skoro śni, że go przeżył, że wyzwania i pytania tego czasu są już za nim, wydaje mu się, że ogląda historię, która jest całkiem miniona i w żaden sposób nie może go kłopotać w teraźniejszości. Człowiek jest czułym widzem spokojnego czasu, czasu kołyszącego do snu, pozbawionego owej odradzającej się z chwili na chwilę troski o przetrwanie, która naznacza bólem każdy moment teraźniejszy. To tak, jak gdyby film nostalgiczny pragnął być fotografią, a zatem, jak przekonują Kodak i Polaroid, formą idealną z punktu widzenia nostalgii, przeszłością nie będącą pytaniem, lecz dobytkiem.
3
Content available remote

W poszukiwaniu mitu. O filmach dokumentalnych Grzegorza Królikiewicza

100%
Dondzik M.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
134-142
EN
Michal Dondzik’s article is dedicated to the documental work of Grzegorz Królikiewicz and analyses the director’s movies through the recurring motif of Polish myths related to national heroes, freedom and the Polish intelligentsia. The article also discusses the issues and artistry of Krolikiewicz’s documentaries, created during the People’s Republic of Poland (PRL) as well as contemporary Poland. This perspective presents the diversity of the director’s forms of expression and also the consequences, of which Krolikiewicz returns to the topics of interest.
4
Content available remote

Między prawdą a stereotypem, tradycją a nowoczesnością: wątki narodowe i transnarodowe w islandzkim kinie dokumentalnym po roku 2000

100%
Konefał S. J.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
187-203
EN
This text focuses on the ideological discourses that are present in the images of the “unique and pure society” in Icelandic documentary films. The modernist and postmodernist figures that appear in many Icelandic texts of culture tend to be an intriguing mixture of tradition and modernity. Nowadays, non-fiction films from Iceland often focus on themes related to the specific perception of dynamic changes in Nordic national identity. Many documentaries may be also treated as the visual equivalents of cultural and tourist guides that are supposed to present the bright and dark sides of life in Iceland. All these strategies and rhetorical figures are creatively reinterpreted in contemporary Icelandic documentary.
5
Content available remote

Metody dokumentalne w filmie. Recenzja książki

88%
Rachwald T.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
278-282
PL
Jakkolwiek dobrze rozumiany obowiązek wymaga od badacza zdefiniowania obiektu swojego zainteresowania, skomplikowany przypadek filmu dokumentalnego zdaje się zniechęcać do tego rodzaju działań. Tym bardziej godna uznania jest skrupulatność, z jaką podjął się zadania Mirosław Przylipiak w Poetyce kina dokumentalnego. W pierwszym rozdziale swojej książki ten uznany autor, po dokonaniu krytycznej oceny istniejących już definicji, opracował nową propozycję. Pozwolę sobie przytoczyć ją w całości, żeby zobrazować poziom skomplikowania problemu: Film dokumentalny to taki autonomiczny, istniejący jako osobna całość przekaz audiowizualny, który prezentuje wycinek świata kompletnego, w którym znaczenia nominalne są tożsame ze źródłowymi, w którym istnieje dystans czasowy między momentem rejestracji a momentem odbioru, gdzie zostaje zachowana indeksalna wierność odtworzenia czasu i przestrzeni w ramach ujęcia. W którym realizatorzy nie ingerują w rzeczywistość przed kamerą albo ingerują i fakt tej ingerencji czynią elementem strukturalnym filmu, albo też ingerują w tym celu, aby przywrócić taki stan tej rzeczywistości, jaki istniał przed pojawieniem się ekipy filmowej, lub też aby wyzwolić prawdę zachowań osób filmowanych, który naśladuje w swojej strukturze konwencjonalne sposoby właściwego człowiekowi podporządkowania rzeczywistości, w którym funkcja autoteliczna względem warsztatu lub tworzywa filmowego, o ile istnieje, nie może przytłumić i zdominować funkcji przedmiotowej.
6
Content available remote

Rzeczy, rzeczy, rzeczy. Tajemnica Koumiko Chrisa Markera na styku form filmowych

88%
Rawska M.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
76-85
EN
The author analyses Chris Marker’s movie Le mystère Koumiko (1967) in the context of ethnographic cinema, indicating its experimental and innovative potential which can be seen as an anticipation of the autoethnography category. The author argues that hiatus in content, as well as in form, understood as Marker’s deliberate strategy shows discrepancy between East and western orientalised projection of East.
7

120 km/h. O Dopędzili prom Carla Th. Dreyera

75%
Trwoga A.
Kwartalnik Filmowy
|
2019
|
issue 107 Podróż, (E)migracja, pielgrzymka
165-175
PL
W artykule opisano krótkometrażowy film Carla Th. Dreyera Dopędzili prom (1948), zrealizowany według noweli duńskiego noblisty Johannesa V. Jensena. Wykorzystując wiadomości biograficzne i kontekst powstania, analizowano wyjątkowość tego dzieła wobec ówczesnych produkcji dokumentalnych Dansk Kulturflm z lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku. Pokazano jak wątki propagandowe (postulowane na wzór brytyjski przez duńskich dokumentalistów) zostały uzupełnione poprzez elementy ze sfery nadprzyrodzonej oraz religii, podobnie jak miało to miejsce we wcześniejszych filmach tego reżysera (szczególnie wyeksponowano rolę Wampira). Zwrócono uwagę na symbolikę śmierci i elementy wanitatywne, które sprawiają, że ten krótki film drogi staje się krytyką społeczeństwa kraju w którym powstał. Wykazano również inspiracje twórcy, jak i późniejsze możliwe wpływy Dopędzili prom na innych reżyserów.
EN
The article describes the short film by Carl Th. Dreyer They caught the ferry (1948), based on the novel by Danish Nobel Prize winner Johannes V. Jensen. Using biographical information and the context of the uprising, Trwoga analyses the uniqueness of this work in relation to the then documentary productions of Dansk Kulturflm from the 1940s and 1950s of the twentieth century. The article shows how propaganda themes (postulated on the British model by Danish documentary film-makers) were supplemented with elements from the supernatural sphere and religion, as was the case in earlier films by this director (the role of the Vampire was particularly prominent). In addition, the author draws attention to the symbolism of death and vanitative elements that make this short road movie a critique of the society of the country in which it was made. Trwoga also pointed to the inspiration of the director, as well as later possible influences of the They caught the ferry to other film makers.
8

„Sztandar wolności” Ryszarda Ordyńskiego jako filmowy pomnik Józefa Piłsudskiego

75%
Rogowski G.
Kwartalnik Filmowy
|
2020
|
issue 112 Polski dokument, polska animacja
128-149
PL
Autor próbuje odtworzyć proces produkcyjny i dystrybucyjny jednego z najważniejszych filmów dokumentalnych dwudziestolecia międzywojennego – Sztandaru wolności (reż. Ryszard Ordyński, 1935). Badając zawiły proces produkcyjny, stara się odpowiedzieć na pytania: kto, w jakim celu i w jakich okolicznościach politycznych wyprodukował film, jaka była jego percepcja w Polsce i za granicą, a w końcu – jak działały mechanizmy jego eksportu. Autor oparł badania na informacjach prasowych, ale także na niebadanych dotychczas materiałach z Archiwum Akt Nowych oraz Archiwum Stanu Nowy Jork w Albany.
EN
The author reconstructs the history of the production and distribution of one of the most important documentary films of the interwar period: Sztandar wolności (Banner of Freedom, 1935) by Ryszard Ordyński. By examining the intricate production process, he seeks to determine who produced the picture, for what purposes, and in what political circumstances, what was its perception in Poland and abroad, and finally how the mechanisms of its export worked. The research is based on press articles and on previously unexplored materials from the Archiwum Akt Nowych (Central Archives of Modern Records in Warsaw) and the New York State Archive in Albany.
9
Publication available in full text mode
Content available

Dokument a fabuła – refleksje, doświadczenia i metody pracy autora zdjęć filmowych

75%
Staroń W.
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
|
2018
|
vol. 23
|
issue 32
EN
As the very title of Wojciech Staroń, a cinematographer and film director’s text “Documentary versusfiction – reflections, experiences and work methods of a director of photography” indicates, it is an attempt to analyse his own artistic achievements combined with a theoretical reflection on universal and fundamental issues such as understanding the truth in film, in reference to the distinction between the genres of fiction and documentary, or mentioned towards the end of the text, an issue of constructing a film protagonist and film narration in which the protagonist functions and is immersed. All these issues are analysed in a visual context, in reference to the construction of a film shot – the meaning of its contents and form and their combination which will present the subject matter in a few seconds of screen time. The films being analyzed among others are: Pod ochroną, Nagroda and Argentyńska lekcja (Argentinian Lesson).
PL
As the very title of Wojciech Staroń, a cinematographer and film director’s text “Documentary versusfiction – reflections, experiences and work methods of a director of photography” indicates, it is an attempt to analyse his own artistic achievements combined with a theoretical reflection on universal and fundamental issues such as understanding the truth in film, in reference to the distinction between the genres of fiction and documentary, or mentioned towards the end of the text, an issue of constructing a film protagonist and film narration in which the protagonist functions and is immersed. All these issues are analysed in a visual context, in reference to the construction of a film shot – the meaning of its contents and form and their combination which will present the subject matter in a few seconds of screen time. The films being analyzed among others are: Pod ochroną, Nagroda and Argentyńska lekcja (Argentinian Lesson).
10

Czy można wybaczyć Leni Riefenstahl?

75%
Hendrykowski M.
Kwartalnik Filmowy
|
2015
|
issue 89-90 Redefinicje klasyki
166-174
PL
Twórczość filmowa Leni Riefenstahl domaga się dzisiaj ponownego odczytania w kontekście jej miejsca w historii światowego dokumentu. Nie negując samej przynależności tych filmów do kanonu kina lat 30., autor przyprowadza krytykę dotychczasowego sposobu ich analizy i historycznofilmowej interpretacji w kategoriach sztuki filmowej. Jeśli film dokumentalny rozumie się jako mechaniczną rejestrację określonego wycinka rzeczywistości przed kamerą, to „Zwycięstwo wiary”, „Triumf woli” i „Olimpiada” zyskują status pełnoprawnych dokumentów. Problem w tym, że – zgodnie z klasyczną definicją Arystotelesa – ethos stanowi synonim wiarygodności. Usuwając z refleksji nad dokumentem perspektywę etyczną oraz kategorię prawdy, bezkrytycznie otwieramy drogę ekranowemu kłamstwu i niczym nieograniczonej manipulacji przekazem. Hendrykowski stawia pytanie o to, czy historyk kina może całkowicie pominąć perspektywę etyczną omawianego dzieła, wpisując je w sferę tradycji kina i sztuki filmowej bez refleksji nad jego (nie)wiarygodnością. Autor uważa, że nie tyle same instrumenty badawcze, ile obrany sposób opisu, analizy i interpretacji integralnie łączy w sobie zagadnienia metodologiczne i etyczne, przed którymi staje badacz dziejów kina.
EN
Leni Riefenstahl’s films need to be reread in the context of their place in the history of documentary. The author does not negate the fact that these films belong to the canon of the cinema of the 1930s. However Hendrykowski critiques the way they were analysed and interpreted in the context of history of the cinema as belonging to the category of film art. If by a documentary we mean a mechanical recording of reality in front of the camera, then “The Victory of Faith”, “Triumph of the Will” and the “Olympia” gain the status of fully-fledged documentaries. The problem is that – according to the classical definition of Aristotle – the ethos is synonymous with credibility. By removing the ethical perspective and the category of truth from the reflection on documentaries, we thoughtlessly open the way to falsehood on screen and limitless manipulation of the message. Hendrykowski raises the question of whether a film historian can completely ignore the ethical perspective of the work discussed, thus placing it in the sphere of the tradition of film and cinematography without any reflection on its (un)reliability. The author believes that research instruments and the chosen type of description, analysis and interpretation integrally combine methodological and ethical questions that a film historian has to face.
11
Content available remote

Czytając Po-lin

75%
Stolarska B.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
228-251
EN
This reading of is an attempt to determine authorial intentions of Jolanta Dylewska through recognition of the means she employed to bring back to life on the screen the lost world of Jews that had been living in Poland for centuries. Dylewska’s intention was primarily to express the sense of loss and to convey this feeling in viewers. It is accomplished through the process of externalization of this list world, creation of emotional memory, visualization and evoking of the value and beauty of this destroyed culture, created in.
12
Content available remote

La vérité? Quelle vérité? Eksperymenty z rzeczywistością w kinie niefikcjonalnym lat 60.

75%
Zając B.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
62-75
EN
The author attempts to reconstruct some of the major voices in the critical discourse surrounding cinéma vérité in the 1960s and in contemporary film studies. He follows it with a textual analysis of two major documentaries of this nonfiction genre (Chronique d’un été and Le Joli mai). This textual analysis is extended by some historical context in order to define anew the borders of genre taxonomy. Eventually it allows the author to inscribe in the history of this genre numerous documentaries which previously were not associated with cinéma vérité.
13
Content available remote

Uwagi o Pines and Fir Trees. Women’s Memories of Life during Socialism Sanji Iveković

75%
Rode D.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
143-151
EN
The article analyses Sanja Iveković’s documentary Pine and Fir Trees. Woomen’s Memories of Life during Socialism. The work was realised as a part of an oral history project Women’s Memories of Life under Socialism (1998-2004, Center for Women’s Studies, Zagreb), dedicated to exploration of women’s history in the former East. Iveković presents interviews with five women of different family backgrounds, education, occupations and attitudes towards socialism, who recall their personal experiences before World War II, during the War and in the early years of socialism. Their stories are interspersed with archival footage – official documentaries or propaganda films and photographs from their family albums – and intertitles presenting the context of the history of former Yugoslavia.
14
Content available remote

Współczesne oblicza dokumentalizmu osobistego (Tarnation Jonathana Caouette’ego, Arirang Kima Ki-duka i To nie jest film Jafara Panahiego)

75%
Biliński P.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
102-120
EN
The article is a basic analysis of the poetics and style of autobiographical 21st century documentaries. The author concentrates mostly on three films: Jonathan Caouette’s Tarnation (2003), Kim Ki-duk’s Arirang (2011) and Jafar Panahi’s This is Not a Film (2011) and views them as representatives of contemporary autobiographical documentaries. He refers to directors first to realize such films – Ed Pincus (Diaries, 1971-1976) and Jonas Mekas (majority of his films). Moreover, he considers Marcin Koszalka’s Takiego pięknego syna urodziłam (1999) as one of the symptoms of oncoming popularity in using such poetics. The author claims that the expansion of autobiographical documentary has been taking place since the turn of the century – even today, film directors decide to use professional cameras to record presumably important events of their life and edit this material into a coherent film. This change of filmmakers’ interests was surely enabled by the progress of new media and access to modern technologies. Nowadays there are many autobiographical documentaries similar to each other. Due to this the author considers reasons why movie directors decide to make the so-called “Filip Mosz’s gesture” (Mosz is a character starred by Jerzy Stuhr in Kieślowski’s Camera Buff ) and create documentaries about themselves. He juxtaposes reflexivity as well as cultural otherness, problem of staging and – most of all – ways of presenting film self-portraits in three mentioned documentaries. An important connection between Tarnation, Arirang and This is Not a Film – apart from their many differences – is their directors’ desire to treat moviemaking as a form of autotherapy and as a method of searching for identity.
15
Content available remote

Paranoid, moi? Surveillance and the Popular Cultural Documentary

75%
Pedersen P. O., Stephensen J. L.
Panoptikum
|
2013
|
issue 12(19)
152-172
EN
Authors research the ways in which surveillance discourse and studies on surveillance phenomena manifest itself in mainstream documentary filmmaking. The subject of this critical case study is David Bond’s Erasing David (2010), hybrid documentary which aesthetics and conceptual roots are clearly embedded in the tradition of Michael Moore’s subjective, populist filmmaking. Pedersen and Stephenson’s critical analysis of Bond’s documentary follows issues of both the form and the problematic way in which surveillance was represented and conceptualized by the filmmaker. In order to articulate their reservations they introduce a typology of discoursed and critical perspectives dominating the ways in which surveillance phenomena is usually introduced. Authors ask about the character of interrelations between documentary cinema (artistic practice), surveillance (social practice), and academic discourses on surveillance (theory), eventually sharing a comment on the efficiency of this theoretical and practical works that were intended as openly critical or subversive.
PL
Autorzy badają w jaki sposób dyskurs nad inwigilacją i szeroko pojęte studia nad tym zagadnieniem (surveillance studies) manifestują się w filmach dokumentalnych mających charakter popularyzatorski, skierowanych do masowego widza. Przedmiotem krytycznej analizy jest tu Erasing David (2010), hybrydyczny dokument utrzymany w tradycji osobistych, populistycznych filmów Michaela Moore’a, zrealizowany przez brytyjskiego reżysera Davida Bonda. Pedersen i Stephenson poddają krytycznej ocenie formę filmu, jak również problematyczny sposób ukazania i tematyzowana przez reżysera inwigilacji. W tym celu przedstawiają autorską typologię dyskursów i perspektyw opisujących to zjawisko. Autorzy stawiają też pytania o charakter relacji między kinem dokumentalnym (praktyką artystyczną), inwigilacją (praktyką społeczną) i poświęconym jej dyskursem (teorią), a także o skuteczność teorii i praktyki, u podstaw której leży otwarta krytyka lub subwersja inwigilacji.
16
Publication available in full text mode
Content available

„Dusza moja czuje się tutaj jak w domu”. Poszukiwania badawcze prowadzone przez Muzeum Miejskie w Wadowicach

75%
Pytlowska-Bajak J.
Wadoviana. Przegląd historyczno-kulturalny
|
2019
|
issue 22
142-145
PL
Relacja z projektu badawczego, realizowanego przez Muzeum Miejskie w latach 2017-2019 w ramach programu "Kultura ludowa i tradycyjna" przy wsparciu finansowym Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
17
Publication available in full text mode
Content available

Walerian Borowczyk jako dokumentalista surrealistyczny

63%
Prusinowski P.
Filologia Polska. Roczniki Naukowe Uniwersytetu Zielonogórskiego
|
2023
|
vol. 9
229-239
EN
Famous film critic André Bazin classified a distinction between “those directors who put their faith in the image and those who put their faith in reality”. The documentary output of Walerian Borowczyk, best known for his animated and feature films, seems difficult to fit into any of these categories. The author of this article analyses Borowczyk’s films as Diptych (Diptyque, 1967), A Private Collection  (Une collection particulière, 1973), Letter from Paris (Brief von Paris, 1976) and The Greatest Love of All Times (L’amour – monstre de tous les temps, 1977). Those pictures are rare examples of surrealist ideas incorporated into documentary cinema.
PL
Słynny krytyk André Bazin dzielił filmowców na tych, którzy wierzą w obraz, i tych, którzy wierzą w rzeczywistość. Dokumentalną twórczość Waleriana Borowczyka, znanego przede wszystkim z filmów animowanych i fabularnych, trudno jednoznacznie przyporządkować do którejkolwiek z tych kategorii. Autor powyższego artykułu poddaje analizie tę część artystycznego dorobku reżysera, reprezentowaną przez takie filmy jak Dyptyk (Diptyque, 1967), Wyjątkowa kolekcja (Une collection particulière, 1973), List z Paryża (Brief von Paris, 1976) czy Miłość – potwór wszechczasów (L’amour – monstre de tous les temps, 1977). Obrazy te stanowią rzadkie przykłady wykorzystania elementów surrealizmu w kinie dokumentalnym.
18
Publication available in full text mode
Content available

Z kamerą wśród ludzi. „Wizyta” Marcela Łozińskiego

63%
Tyborowicz I.
Kultura Współczesna. Teoria. Interpretacje. Praktyka
|
2021
|
vol. 116
|
issue 4
108-118
EN
This article discusses Marcel Łoziński’s The Visit (1974), confronting it with the reality of the Gierek decade and the situation of Polish rural women in the 1970s. The film depicts an ideological conflict between a female farmer interested in literature and theatre, and a journalist as the embodiment of what is modern and urban. The women’s clash is an interesting starting point for a broader discussion on the subject matter, message, and visual aspects of the documentary, particularly in the context of staging and provocation. The paper addresses a very significant issue of media invasiveness and journalism ethics associated with the responsibility of journalists and filmmakers. Using the example of The Visit, the author describes the behaviour and statements of the film characters, and their determination in the presence of the camera. She discusses the cinematography, which plays an essential role in conveying the theses made in the film, the trap of adopting a stereotypical approach to rural populations, the mixed reception of the film, and its links to one of Łoziński’s later productions, So It Doesn’t Hurt (1998).
19

Pamięć, performans i afekty – temat ludobójstwa w filmach Joshui Oppenheimera

63%
Loska K.
Kwartalnik Filmowy
|
2020
|
issue 111 Zmysły i afekty
88-104
PL
Punktem wyjścia refleksji nad filmami Joshui Oppenheimera jest koncepcja performansu w ujęciu Rebeki Schneider – zwłaszcza jej uwagi na temat historycznych rekonstrukcji – oraz teoria afektów w ujęciu Jill Bennett (ponieważ rzeczywistym skutkiem praktyk performatywnych jest „afektywne poruszenie”). W proponowanym przez autora odczytaniu Sceny zbrodni (2012) i Sceny ciszy (2014) to właśnie zarejestrowane przez reżysera historyczne performanse wraz z ich zdolnością oddziaływania na emocje, czyli wywoływania określonych reakcji afektywnych (wstręt, obrzydzenie, współczucie, fascynacja), są metodą, za pomocą której można mówić o ludobójstwie w nowy sposób. Wychodząc od analizy filmów Oppenheimera, autor zastanawia się nad tym, w jaki sposób jest konstruowana i rekonstruowana pamięć o wydarzeniach historycznych, do jakiego stopnia przeszłość wpływa na teraźniejszość, a wreszcie, czy możliwe jest obserwowanie siebie niejako „z zewnątrz”, by zmierzyć się z własnymi afektami.
EN
The starting point for the reflection on Joshua Oppenheimer’s films is the concept of performance by Rebecca Schneider – especially her remarks on historical reconstructions – and the theory of affects by Jill Bennett (because the actual effect of performative practices is being “affectively moved”). In the author’s reading of The Act of Killing (2012) and The Look of Silence (2014), these historical performances registered by the director, with their ability to affect emotions, i.e. to provoke specific affective reactions (disgust, repulsion, sympathy, fascination), offer a new way in which genocide can be talked about. Starting from the analysis of Oppenheimer’s films, the author wonders how the memory of historical events is constructed and reconstructed, to what extent the past exerts influence on the present, and, finally, whether it is possible to observe yourself “from the outside” to face your own affections.
20
Publication available in full text mode
Content available

Filmowe przedstawienia otyłości – od krytyki do emancypacji

63%
Dąbrowska D.
Annales Universitatis Paedagogicae Cracoviensis. Studia de Cultura
|
2020
|
vol. 12
|
issue 4
70-82
EN
The paper focuses on the ways of shaping social awareness concerning the problem of obesity through film media. The author analyses different options of interacting within two narrative trends – a feature film and a documentary. The purpose of the text is to show varied ways of showing obesity in film. The presentation included in the paper focuses on the following perspectives: obesity as a sign of disability to care about one’s own health, obesity as a tool of social stigma, obesity as a factor determining social experience. The subject of analysis are three films: Super Size Me by Morgan Spurlock, Gordos by Daniel Sánchez Arévalo and Paradise: Hope by Ulrich Seidl.
PL
Artykuł skoncentrowany jest na sposobach kształtowania społecznej świadomości dotyczącej problematyki otyłości przez media filmowe. Autorka podejmuje próbę refleksji nad zróżnicowanymi możliwościami oddziaływania w obrębie dwóch konwencji narracyjnych – fabularnej i dokumentalnej. Cel tekstu stanowi pokazanie zróżnicowanych sposobów ukazywania otyłości w filmie. Zawarta w szkicu panorama kładzie nacisk na następujące perspektywy: otyłość jako wyraz braku umiejętności zatroszczenia się o własne zdrowie, otyłość jako narzędzie społecznej stygmatyzacji, otyłość jako czynnik determinujący doświadczenie społeczne. Przedmiotem przeprowadzonej analizy są trzy filmy: Super Size Me Morgana Spurlocka, Grubasy Daniela Sancheza Arévalo i Raj: nadzieja Ulricha Seidla.
first rewind previous Page / 3 next fast forward last
JavaScript is turned off in your web browser. Turn it on to take full advantage of this site, then refresh the page.