Full-text resources of CEJSH and other databases are now available in the new Library of Science.
Visit https://bibliotekanauki.pl

Results found: 5

first rewind previous Page / 1 next fast forward last

Search results

help Sort By:

help Limit search:
first rewind previous Page / 1 next fast forward last
PL
Przedmiotem artykułu jest analiza filmu dokumentalnego Petera Jacksona I młodzi pozostaną (2018), powstałego na podstawie archiwalnych materiałów filmowych z okresu I wojny światowej. Autor przygląda się pracom nad tymi materiałami, pokazując, że zabiegi dokonane przez zespół Jacksona wykraczają poza restaurację filmu, i proponując kategorię rewitalizacji jako adekwatną do opisu dokonanych przekształceń. Przeprowadzona analiza decyzji artystycznych podjętych przez Jacksona odsłania konteksty oraz celowość zastosowanych zabiegów (scenariusz, wybór palety kolorystycznej itd.), a także umieszcza prace nad ścieżkę dźwiękową w kontekście współczesnych praktyk rekonstrukcji historycznych pejzaży dźwiękowych. W zakończeniu autor omawia immersyjność I młodzi pozostaną na tle współczesnych praktyk audiowizualnych instytucji muzealnych oraz historycznych początków kina, dowodząc tezy, że dokument Jacksona w większej mierze poświęcony jest samej kinematografii oraz pamięci Wielkiej Wojny niż historii.
EN
The author analyses Peter Jackson’s documentary film They Shall Not Grow Old (2018), which was based on the archival film footage from World War I. He examines the use of the documents, arguing that the interventions made by Jackson’s team go beyond film restoration, and proposing the term “revitalization” to describe the effect of these changes. Further, the author analyses Jackson’s artistic choices, revealing the contexts and purposes of different aspects of his treatment of the footage (screenplay, colour palette, etc.), as well as discussing the preparation of the soundtrack in terms of contemporary practices of historical soundscape reconstruction. Finally, the author approaches the immersive aspect of They Shall Not Grow Old, discussing audiovisual narratives of contemporary museums and the beginnings of film, arguing that Jackson’s documentary is in fact about the cinema itself and the memory of the Great War rather than about history.
PL
Autor bada intertekstualne wędrówki fragmentów filmu krótkometrażowego „Design for Dreaming” Williama H. Beaudine’a (1964), zrealizowanego dla General Motors. Opisuje amerykańskie krótkometrażowe filmy przemysłowe z lat 50. i 60., a następnie – wychodząc od teledysku Davida Malleta do utworu „Hello Spaceboy” Davida Bowiego – śledzi wędrówki scen z „Design for Dreaming” po różnych obszarach kultury wizualnej (reklamach, wideoklipach, serialach, filmach pełnometrażowych). Ramę dla tekstu stanowi kategoria estetyki „populuxe” zaproponowana przez Thomasa Hine’a oraz rozważania Svetlany Boym na temat nostalgii.
EN
The author examines the inter-textual wanderings of fragments of William H. Beaudine’s “Design for Dreaming” (1964), produced for General Motors. He describes American short industrial films of the 1950s and 1960s, and then – starting with the David Mallet music video for David Bowie’s “Hello Spaceboy” – he traces the scenes from “Design for Dreaming” in various areas of visual culture (commercials, videoclips, series, feature films). The category of “populuxe” aesthetics created by Thomas Hine and Svetlana Boym’s reflections on nostalgia form a theoretical framework for this article.
PL
Autor przygląda się afektywnym aspektom oraz związanej z nimi performatywnej sprawczości wykorzystania we współczesnym kinie nagrań terenowych. Wywód jest zogniskowany wokół twórczości i postaci Chrisa Watsona, specjalisty od nagrań terenowych przyrody, pracującego m.in. dla BBC, zwłaszcza przy produkcjach Davida Attenborough. Zestawiając dyskursy współczesnych afektywnych teorii kina i jego warstwy dźwiękowej (m.in. Michela Chiona, Barbary Flückiger, Caryl Flinn, Danijeli Kulezic-Wilson) z dyskursami wokół samego field recordingu (Francisco López) oraz różnymi narzędziami współczesnej humanistyki, autor pokazuje, w jaki sposób nagrania terenowe współtworzą afektywne narracje filmów oraz oddziałują na odbiorcę, budując przestrzeń światów przedstawionych, a także w jaki sposób nagrania terenowe przyrody wpisują się w szerszy krajobraz afektywny niepokojów doby katastrofy klimatycznej.
EN
The author examines affective dimensions and performative agency of field recordings used in contemporary cinema. The narrative is centred around the works of Chris Watson, a specialist in the field of nature recordings, and a long-time collaborator of David Attenborough in his BBC productions. The essay juxtaposes contemporary affective theories of cinema and its soundtrack (i.a. Michel Chion, Barbara Flückiger, Caryl Flinn, Danijela Kulezic-Wilson) with discourses of field recording itself (Francisco López) and different tools of current humanities, to show how field recordings co-create cinema’s affective narrations, as well as affecting the viewer through the creation of the space of cinematic worlds. The author also analyses the functioning of field recordings within broader affective landscape of uncertainty in the age of climate disaster.
EN
The essay under discussion covers various military uses of sound and acoustics during the Great War. Taking from the important book Sonic Warfare by Steve Goodman, the author describes the importance of sound communication during the war as well as various acoustical research undertaken in order to detect enemies on new fronts (aeroplanes, submarines, miners). He traces broader cultural consequences of the importance of acoustics during the Great War and stresses its meaning for the cultural history of sound, as it was the time of creation of the modern military-industrial-scientific complex.
|
2018
|
vol. 72
|
issue 4(323)
263-272
PL
„Tekst ten pomyślany jest jako obraz „niesymetryczny” – pragnę w nim w większej mierze przyjrzeć się poglądom oraz działaniom Tchorka poprzez Brechta, niż analizować twórczość amerykańskiego (anty)artysty w perspektywie pism polskiego krytyka. Radykalny projekt intermedialnej twórczości Brechta wytycza horyzont estetyki post-Cage’owskiej, która odegrała niezwykle ważną, wciąż niedostatecznie uwzględnianą rolę w myśli Tchorka w latach 60. Znaczenie muzyki eksperymentalnej dla działalności Tchorka stanie się dla nas czytelne, gdy jego teksty oraz działania zestawimy z muzycznymi projektami eksplorującymi przypadek, które zostały zrealizowane w Galerii Foksal w czasie, gdy był z nią związany”.
EN
This text is conceived as a “non-symmetrical” image – with the author intending to take a closer look at the views and undertakings of Mariusz Tchorek via the prism of Brecht rather than to analyse the works of the American anti(artist) from the viewpoint of the writings of a Polish critic. The radical project of Brecht’s inter-medial oeuvre is delineated by the horizon of anti-Cagean aesthetics, which played an extremely important, albeit still insufficiently appreciated role in Tchorek’s thought during the 1960s. The significance of experimental music for Tchorek’s oeuvre becomes lucid when we juxtapose his texts and activity with musical projects exploring accidence and realised at the Foksal Gallery at the time when he was associated with it.
first rewind previous Page / 1 next fast forward last
JavaScript is turned off in your web browser. Turn it on to take full advantage of this site, then refresh the page.