The article describes various aspects of the 19th-century myth of Beethoven that can be found in selected works of the 19th and 20th century. In literary adaptations, the Beethoven's myth is realised in a very unambiguous way, yet the issue should be treated more broadly. The selected literary works discussed in the article are typical examples of the iconic images of Beethoven although they vary in the aspects of both form and content. The present article uses certain determiners as presented by Irena Poniatowska in her paper The Iconic Image of Beethoven in Polish Poetry. The analysis of specific semantic fields (suffering, overcoming suffering and victory over suffering) suggested by Poniatowska may seem not entirely verifiable, however, the universal aspect of literary interpretations is guaranteed by the expressive ideas concealed in the music and the fragmentation of composition frequently employed by Beethoven. The Beethoven case was an inspiration for creating many different literary representations of an icon. The nostalgic image of ponds in Soplicowo (Pan Tadeusz by Adam Mickiewicz) is just one of many possible ways of translating a literary text into a particular work of music. Revolutionary phrases by Ujejski (Translations of Beethoven) are a perfect illustration of Beethovenian emphasis related to overcoming suffering. Both examples prove that the 19th-century literary adaptations are more consistent with the overall concept of correspondence of arts (synaesthesia) than any of the 20th century realizations (i.e. Quasi uni fantasia by Teresa Weyssenhoff, Beethoven by Zbigniew Herbert or Beethoven’s Tomb, Niobe by Konstanty Ildefons Gałczyński) as those focus more on the portrayal of the personage, who experienced both failure and victory, and therefore seem to have more loose connection with specific works of Beethoven.
Issues surrounding the nature of the musical sign loom large in the development of a viable musical semeiotic that goes beyond ad hoc or impressionistic appropriations of terminology. This article articulates an understanding of the sign with specific relevance to the analysis of musical topics by rigorously applying Peirce’s semeiotic theory to illuminate the nature of sign functioning in music.
This paper discusses Julia Hartwig’s poetic texts in which she focuses on the prominent classical and pop musicians (composers as well as performers, such as Ludwig van Beethoven and Janis Joplin). In Tomasz Cyz’s interview with Hartwig, she claims that “the origin, creation and the performance of music is always more interesting than the humanity”. However, it appears that in her poems, Hartwig is in fact more interested in musicians’ humanity, their behavior and various features which usually seem to be neglected when those great musicians’ work is appreciated. In this article, I am examine the construction and purpose of Hartwig’s “case studies”.
PL
Artykuł dotyczy muzyki w poezji Julii Hartwig, a przede wszystkim tekstów, w których autorka skupia się na postaciach wybitnych kompozytorów oraz wykonawców muzyki klasycznej i rozrywkowej (m.in. Ludwig van Beethoven czy Janis Joplin). Chociaż Hartwig w jednym z wywiadów wspomina o tym, że „muzyka – jej źródło, jej tworzenie, wykonanie – jest zawsze ciekawsze niż człowieczeństwo”, wydaje się, że w swych utworach autorka poświęca więcej uwagi właśnie „człowieczeństwu” opisywanych muzyków, zachowaniom i cechom, o których nie myśli się zazwyczaj podczas kontaktu z ich dziełami lub interpretacjami wykonawczymi tych dzieł. W tekście próbuję, po pierwsze, sprawdzić, w jaki sposób te swoiste poetyckie „studia osobowe” są konstruowane i do czego służą Julii Hartwig, po drugie zaś – rozważyć, czy i w jakim stopniu sporządzane przez poetkę specyficzne portrety artystów zbliżają do nich oraz ich twórczości.
W zbiorach Liszt Ferenc Emlékmúzeum és Kutatóközpont można znaleźć dość osobliwąpozycję, jaką jest rozprawa Marie Gjertz La musique au point de vue moral et religieux(Gjertz 1859).Marie Gjertz (1819–1862) była francusko-norweską pianistką, kompozytorką, feministkąi pisarką, której bliskie były zarówno socjalistyczne idee Fouriera, jak i katolicka teologia.W artykule przedstawiam założenia Gjertz wyłożone w jej książce, w której pisze onaw oryginalny sposób o muzyce instrumentalnej, widząc jej podstawowe reguły w katolickichwartościach moralnych. Gjertz prezentuje listę muzycznych grzechów (np. grzech pychyw sonatach fortepianowych Beethovena), które łączy z teoriami muzycznymi – szczególniez teorią harmonii François-Josepha Fétisa (1844) i jego ideą porządku wszechtonicznego.Antidotum na muzyczne grzechy autorka znajduje z katechizmie katolickim; w kontemplacjii zrozumieniu boskiej miłości, która jest źródłem piękna. Według niej, najważniejszymelementem w muzyce jest rytm, w którym można zobaczyć prawdziwe ludzkieuczucia, będące źródłem wewnętrznych poruszeń duszy i w konsekwencji – muzyki.Marie Gjertz wskazuje także najcięższe grzechy muzyczne, jakimi są: sztuka dla sztuki,porzucenie muzyki gregoriańskiej, bunt, błędna ocena własnych możliwości (Cramer,Kalkbrenner, Hummel) oraz odrzucenie uczucia jako źródła inspiracji.
The Liszt collection at The Liszt Ferenc Memorial Museum and Research Centre containsa very interesting book by Marie Gjertz, La musique au point de vue moral et religieux (1859).Marie Gjertz (1819–1862) was a Norwegian-French pianist, composer, feminist, andwriter inspired by Fourier’s socialism and Catholic theology. In this paper, I examineGjertz’s ideas presented in her book where she offers a unique idea about instrumentalmusic, namely, that its principles must be based on Catholic moral rules. Gjertz providesa list of musical sins (e.g. pride in Beethoven’s piano sonatas) and connects them withmusical theories, especially with the François-Joseph Fétis’s theory of harmony (1844) andhis idea about ordre omnitonique.She finds an antidote to music in Catholic catechism: in contemplation and understandingof God’s love which is a source of beauty. The most important element in musicis rhythm in which one can see a really human sentiment as a source of internal movementof the soul.Marie Gjertz shows also the gravest of musical sins – l’art pour l’art, the abandonmentof Gregorian music, the revolt, the incorrect diagnosis of one’s own abilities (by Cramer,Kalkbrenner, Hummel), and the abandonment of the sentiment as a source of inspiration.François-Joseph Fétis responded to Marie Gjertz in a series of four texts published inRevue et Gazette Musicale. He concluded that Gjertz did not understand his books, butshe was an intelligent and unique author, and that her idea of moral value of music was aninteresting approach to instrumental music.
JavaScript is turned off in your web browser. Turn it on to take full advantage of this site, then refresh the page.