Full-text resources of CEJSH and other databases are now available in the new Library of Science.
Visit https://bibliotekanauki.pl

Results found: 7

first rewind previous Page / 1 next fast forward last

Search results

Search:
in the keywords:  film drogi
help Sort By:

help Limit search:
first rewind previous Page / 1 next fast forward last
1
Content available remote

Uwikłana w mitologię opowieść o zwykłym spotkaniu

100%
Furtak A. E.
Panoptikum
|
2009
|
issue 8(15)
146-155
EN
Road movie is considered to be an American film convention typical for ’70. However, their plots are based on an old motive known from legends, myths and parables, from the stories about saving the world. The road movie main character is usually a person in the street, not very beautiful, not very talented and not very interesting. The character is usually introduced while in trouble and because of it must start on a journey during which he or she will become a hero. Sometimes the main character is rich and happy, someone who leads a calm life and because of some very important reason he or she has to leave it and start a journey which will change him and make his past life impossible. Generally, there are 4 kinds of the road movie’s characters: hikers, escapers, travelers and wanderers. In one story there are usually two or more characters, because the most important moment of the plot is a meeting. The meeting of two different people establishes opportunity to get to know their life stories, to confront two different worlds and to change the world-view of main characters.
2

Happy Together: chińskie kino drogi

100%
Kamrowska A.
Kwartalnik Filmowy
|
2019
|
issue 107 Podróż, (E)migracja, pielgrzymka
157-164
PL
Autorka podejmuje próbę analizy filmu Happy Together (1997) Wong Kar-waia w ujęciu kina autorskiego, filmu drogi, motywów kultury chińskiej i argentyńskiej oraz sytuacji politycznej. Na pierwszy plan wysuwa się wątek podróży pary homoseksualnych bohaterów do Buenos Aires, gdzie próbując uratować swój związek, rozstają się i próbują żyć osobno, jednak ich drogi wciąż się krzyżują. Egzotyczna z perspektywy Hongkongu przestrzeń Argentyny przytłacza pustką i wywołuje alienację, którą każdy z nich próbuje zwalczyć na swój sposób: pracując na bilet powrotny lub zatracając się w nocnym życiu. Mimo, iż akcja filmu rozgrywa się w Buenos Aires, obecne są liczne motywy wywodzące się z tradycji chińskiej, jak silne więzy z rodziną czy synowska nabożność. W Happy Together odczuwalna jest również atmosfera nieuchronnej klęski, która towarzyszyła mieszkańcom Hongkongu przed 1 lipca 1997 roku, kiedy kolonia brytyjska stawała się na powrót częścią Chin.
EN
The author attempts to analyse the film Happy Together (1997) by Wong Kar-wai in terms of auteur cinema , road movie, motifs of Chinese and Argentine culture, and the political situation. The focus is on the journey of a pair of homosexual protagonists to Buenos Aires, where they try to save their relationship, but they break up and try to live separately, although their paths still cross. Argentina, that from the perspective of Hong Kong is highly exotic, overwhelms one with emptiness and gives rise to alienation, which each of the characters tries to overcome in their own way: by working and saving for the return ticket home, or by immersing and loosing oneself in the night life. Although the film is set in Buenos Aires, there are many motifs derived from Chinese tradition, such as strong family ties or filial piety. Happy Together also has an atmosphere of imminent defeat that accompanied Hong Kong residents before July 1, 1997, when the British colony became once again a part of China.
3

120 km/h. O Dopędzili prom Carla Th. Dreyera

75%
Trwoga A.
Kwartalnik Filmowy
|
2019
|
issue 107 Podróż, (E)migracja, pielgrzymka
165-175
PL
W artykule opisano krótkometrażowy film Carla Th. Dreyera Dopędzili prom (1948), zrealizowany według noweli duńskiego noblisty Johannesa V. Jensena. Wykorzystując wiadomości biograficzne i kontekst powstania, analizowano wyjątkowość tego dzieła wobec ówczesnych produkcji dokumentalnych Dansk Kulturflm z lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku. Pokazano jak wątki propagandowe (postulowane na wzór brytyjski przez duńskich dokumentalistów) zostały uzupełnione poprzez elementy ze sfery nadprzyrodzonej oraz religii, podobnie jak miało to miejsce we wcześniejszych filmach tego reżysera (szczególnie wyeksponowano rolę Wampira). Zwrócono uwagę na symbolikę śmierci i elementy wanitatywne, które sprawiają, że ten krótki film drogi staje się krytyką społeczeństwa kraju w którym powstał. Wykazano również inspiracje twórcy, jak i późniejsze możliwe wpływy Dopędzili prom na innych reżyserów.
EN
The article describes the short film by Carl Th. Dreyer They caught the ferry (1948), based on the novel by Danish Nobel Prize winner Johannes V. Jensen. Using biographical information and the context of the uprising, Trwoga analyses the uniqueness of this work in relation to the then documentary productions of Dansk Kulturflm from the 1940s and 1950s of the twentieth century. The article shows how propaganda themes (postulated on the British model by Danish documentary film-makers) were supplemented with elements from the supernatural sphere and religion, as was the case in earlier films by this director (the role of the Vampire was particularly prominent). In addition, the author draws attention to the symbolism of death and vanitative elements that make this short road movie a critique of the society of the country in which it was made. Trwoga also pointed to the inspiration of the director, as well as later possible influences of the They caught the ferry to other film makers.
4
Publication available in full text mode
Content available

Wim Wenders’ Most Ambitious Film

63%
Waniek L.
Studia Litteraria et Historica
|
2020
|
issue 9
PL
Aż na koniec świata w reżyserii Wima Wendersa to wielkie filmowe przedsięwzięcie. Tekst omawia powolny proces powstawania filmu, historię jego dystrybucji, treść i recepcję, by wskazać na niepowodzenie jako kwestię kluczową dla każdej z tych sfer. Celowość, sukces, rozwiązanie akcji, zakończenie, koniec świata – te pojęcia w kontekście omawianego filmu jawią się jako nieistotne lub niemożliwe. Główny materiał badawczy stanowią recenzje oraz wypowiedzi reżysera. Analiza treści wykazuje obecność licznych odniesień do klasycznych gatunków filmowych, które jednak okazują się dysfunkcyjne. Ważnym tematem filmu jest błądzenie, tułaczka. To motywy powracające w twórczości Wendersa, co czasem interpretuje się jako efekt poszukiwań tożsamości właściwych jego pokoleniu. W przypadku reżysera poszukiwania te wiążą się z częstym przekraczaniem państwowych granic. Nieliczne są jednak w jego twórczości i refleksji odniesienia do Europy Środkowej.
EN
Until the End of the World by Wim Wenders was a large project. This essay discusses the slow process of the film’s creation, its distribution, its content and critical response, in order to point at failure as the question key to each of those topics. Purpose, success, resolution, ending, the end of the world – those notions appear either irrelevant or impossible in the context of this film. The research material consists mainly of reviews and director’s comments. Content analysis displays many references to classic film genres, references which, however, prove dysfunctional. An important theme of the movie is wandering. This is a recurring motif in Wenders’s work, which some interpretations derive from the identity-seeking typical of his generation. In his case, this search is often expressed by crossing state borders. Central Europe is nevertheless poorly represented in his work.
5
Publication available in full text mode
Content available

Samochody, które zjadły świat. Obrazy środków transportu w filmowych narracjach postapokaliptycznych

51%
Juszczyk A.
Annales Universitatis Mariae Curie-Sklodowska, sectio FF – Philologia
|
2016
|
vol. 34
|
issue 2
EN
The article concerns the motif of the vehicle as an important element of post-apocalyptic world. Some post-apocalyptic films show visions of humanity after the catastrophe using the image of the car which not only constitutes the element of space, but often influences the motivation or performs a symbolic function. Visual aspect of post-apo cars, lack of traditional destinations and almost compulsive using of vehicles by the protagonist and antagonist in such films like Mad Max series (directed by George Miller), Hell (directed by Tim Fehlbaum), Downstream (directed by Simone Bartesaghi), Damnation Alley (directed by Jack Smight), The Book of Eli (directed by Albert and Allen Hughes) seem to be really important for the vision of future (and contemporary) humanity.
PL
Tematem artykułu jest motywy samochodu jako ważnego elementu świata przedstawionego w niektórych wizjach postapokaliptycznych. Filmowe przedstawienia ludzkiej społeczności po katastrofie często posługują się tym motywem, który nie tylko stanowi element przestrzeni, ale często jest włączony w akcję, wpływa na motywacje czy wreszcie pełni w nich funkcję symboliczną. Dzieje się tak w omawianych w artykule filmach postapokaliptycznych: seria Mad Max (reż. George Miller), Hell (reż. Tim Fehlbaum), Downstreem (reż. Simone Bartesaghi), Damnation Alley (reż. Jack Smigh), The Book of Eli (reż. Albert i Allan Hughes). Artykuł prezentuje analizę obrazu samochodu w filmach postapokaliptycznych (jego wyglądu zewnętrznego, użyteczności), celów podróży podejmowanych przez bohaterów oraz specyficznego związku między samochodami a ludźmi.
6
Content available remote

Nuda podróżowania, nuda czekania. "Gerry" Gusa Van Santa a teatr Samuela Becketta

51%
Popielecki J.
Images. The International Journal of European Film, Performing Arts and Audiovisual Communication
|
2009
|
vol. 7
|
issue 13-14
225-234
EN
Jakub Popielecki draws on Roger Ebert’s anecdote and discusses similarities between Gus Van Sant’s Gerry and the theatre of Samuel Beckett. The movie and Beckett’s plays (such as Waiting for Godot) share many components: a sexually ambiguous pair of main characters, Buster Keaton’s physical comedy as a source of inspiration and use of wordplay in the title. Is Van Sant’s film a rethinking of “Beat Generation”-inspired road movie mythology? Are the characters played by Matt Damon and Casey Affleck nomads (as described by Gilles Deleuze)? What connects Van Sant’s and Beckett’s works with the phenomenon of boredom? Popielecki sees the minimalist style of these artists as a sign of a new attitude towards the problem of aesthetic experience.
PL
Boredom of travelling, boredom of waiting. Gus Van Sant’s “Gerry” and the theatre of Samuel Beckett Jakub Popielecki draws on Roger Ebert’s anecdote and discusses similarities between Gus Van Sant’s Gerry and the theatre of Samuel Beckett. The movie and Beckett’s plays (such as Waiting for Godot) share many components: a sexually ambiguous pair of main characters, Buster Keaton’s physical comedy as a source of inspiration and use of wordplay in the title. Is Van Sant’s film a rethinking of “Beat Generation”-inspired road movie mythology? Are the characters played by Matt Damon and Casey Affleck nomads (as described by Gilles Deleuze)? What connects Van Sant’s and Beckett’s works with the phenomenon of boredom? Popielecki sees the minimalist style of these artists as a sign of a new attitude towards the problem of aesthetic experience.
7

Seeing with a Filmmaker’s Eyes: Glimpses of Mobilized Landscapes in Stan Brakhage’s The Wonder Ring (1955) and Visions in Meditation #2: Mesa Verde (1989)

51%
Boczkowska K.
Roczniki Humanistyczne
|
2017
|
vol. 65
|
issue 11: Anglica
75-89
EN
In this paper I present various ways in which Stan Brakhage’s The Wonder Ring (1955) and Visions in Meditation #2: Mesa Verde (1989) tend to challenge the concept of American landscape by means of cinematic conventions traditionally associated with phantom rides, city symphonies and contemporary road movies. It seems that Brakhage’s works do not only employ non-standard editing, camera movement and extended shot to reproduce a continuous flow of motion, but they also exploit the dynamics between the spectactor’s “mobilized virtual gaze” (Friedberg, Window 2) and passing views by evoking a distorted experience of sensational and meditative voyages, hence questioning panoramic perception and an idealized image of American (film) landscape intrinsically bound with the natural and technological sublime. Particularly, both films draw on rapid handheld camerawork, superimpositions, anamorphic lens, bright or dim exposures, fades, odd angles, softened focus and other techniques to defamiliarize and objectify the protagonist’s journey and thus document Brakhage’s perception and extra-objective reality.
PL
Przedmiotem artykułu jest próba analizy reprezentacji amerykańskiego krajobrazu w filmach eksperymentalnych Stana Brakhage’a The Wonder Ring (1955) i Visions in Meditation #2: Mesa Verde (1989), przedstawionego za pomocą wybranych konwencji gatunków filmowych obejmujących phantom ride, symfonię miejską i film drogi. Analiza materiału filmowego autorstwa Brakhage’a pod względem wspomnianych cech gatunkowych może prowadzić do wniosku, że stosowany przez reżysera niekonwencjonalny montaż, ruchy kamerą i długie ujęcia mają na celu przywołanie zniekształconego doświadczenia czuciowej i kontemplacyjnej podróży poprzez wyeksponowanie dynamiki między mobilnym spojrzeniem wirtualnym (“mobilized virtual gaze”; Friedberg 1993) ze strony widza a mijanymi obiektami obserwowanymi z perspektywy pojazdu. W szczególności, dzięki wykorzystaniu takich technik jak kamerowanie “z ręki”, supernałożenie, dynamiczny “fast cutting”, obiektyw anamorficzny czy też wielokrotna ekspozycja, oba filmy zdają się kwestionować panoramiczną percepcję i wyidealizowany obraz amerykańskiego krajobrazu, nierozłącznie związanego z koncepcją naturalnej i technologicznej wzniosłości (natural/ technological sublime).
first rewind previous Page / 1 next fast forward last
JavaScript is turned off in your web browser. Turn it on to take full advantage of this site, then refresh the page.